01. Introducción
Observando la última colección de Patricia Bonet, imaginarium, uno de los aspectos más relevantes es su fuerte carácter universal. Partiendo del instante congelado que todo lienzo obliga a su autor, Patricia Bonet nos muestra su mirada alejada de modas para regalarnos una visión abstracta, geométrica y perteneciente a leyes que están por encima de lo concreto. En el sigo XIX el álgebra moderna, o principios del XX el sistema musical dodecafónico propuesto por Arnold Schoenberg y la aparición de las vanguardias en arquitectura, pintura y escultura, parecen hablar este mismo lenguaje que cambió la manera de entender el arte abriendo de par en par las puertas a la modernidad.
Así pues, analizaremos imaginarium a través de una obra maestra de la modernidad que ilustra perfectamente esta actitud frente al mundo, el pabellón Philips de la exposición universal de Bruselas de 1958, y lo haremos por medio de la reflexión sobre conceptos fundamentales que han preocupado al hombre a lo largo de la historia: la belleza, el orden, la proporción, el arte, la naturaleza y el color.

02. Pabellón Philips
Comenzaremos explicando brevemente el pabellón Philips para poder comprender mejor las similitudes propuestas entre ambas obras y la relación sinestésica que arquitectura y pintura esblecen con la música.
El pabellon Phillips, formó parte de la exposición universal de Bruselas celebrada el 1958, a caballo entre la 2ªGuerra Mundial y la guerra fría. La iniciativa partió de la mano de Christian Kalff , director artístico de la empresa, quien encargó a Le Corbusier la dirección del proyecto que acabaría convirtiéndose en la síntesis artística y tecnológica perfecta entre espacio, imagen, música y palabra, a través de un recinto concebido más como poema electrónico que como un edificio.
Iannis Xenakis, músico, arquitecto e ingeniero fue el colaborador del estudio de Le Corbusier que desarrolló el proyecto. Interesado en las relaciones entre música y arquitectura, Xenakis se había servido del modulor de Le Corbusier y sus relaciones matemáticas para experimentar en el campo de la música. Fruto de ello es su obra Metástasis (1953-54), una composición de nubes musicales en transformación conocidas como glisandos. En su libro “Formalized Music”, Xenakis destaca el valor de los glisandos y explica como cuando son largos y están suficientemente entrelazados, se obtienen espacios sonoros de evolución continua, posibilitando la producción de superficies ordenadas mediante líneas rectas, conocidas como superficies regladas.
Este concepto se materializó en el pabellón mediante una sucesión de líneas rectas a base de placas prefabricadas de hormigón tensadas por cables, que conformaban nueve paraboloides hiperbólicos y generaban el espacio expositivo.
El resto de participantes en el proyecto fueron Edgar Varèse como músico del “poeme electronique” y Jean Petit y Philippe Agostini en el espectáculo visual.

03. Belleza, orden y proporción
Son muchas las teorías y tratados que desde siempre han intentado dar respuesta a esta inquietud ancestral, la búsqueda de un número de oro con el que establecer relaciones matemáticas y geométricas que dotaran de razón, proporción y armonía al universo. Desde los antiguos Pitágoras con la teoría de la “armonía de las esferas” y Vitruvio con su famoso “de architectura”; hasta el moderno Le Corbusier con el “modulor”; pasando por los renacentistas Leonardo da Vinci con su “hombre vitruviano” y Alberti con “re aedificatia”.
En esta busqueda de belleza, orden y proporción, Xenakis vuelve a utilizar en el pabellón philips el modulor, emblema filosófico de Le Corbusier en su compromiso por establecer un orden arquitectónico. En él observarmos que involucra las medidas perfectas y bellas fundamentadas en la estatura humana, con la idea de arquitectura concebida como microcosmos matemático: “un hombre con el brazo levantado da los puntos determinantes de la ocupación del espacio: el pie, el plexo solar, la cabeza y la punta de los dedos estando levantado el brazo, tres intervalos que definen una serie de secciones aúreas de Fibonacci; y por otra parte, la matemática ofrece la variación más sencilla y más fuerte de un valor: lo simple, el doble y las dos secciones áureas”(1). Esta gama de medidas armónicas indican una equivalencia musical confrontadas al método serial y a la indeterminación aleatoria, ya que las operaciones matemáticas deben prefigurarse antes de su composición en notación.
Estos aspectos los encontramos en las composiciones de Patricia Bonet presentados bajo la dualidad fondo-figura. Sus fondos concienzudamente trabajados, nos sugieren en algunos casos una retícula prestablecida a modo de pentagrama, estructurado por líneas rectas sobre las que se insertan elementos geométricos, que por momentos incluso parecen desplazarse como si fueran glisandos. En otros, nos muestra fondos planos que bien podrían ser el equivalente al silencio en la música o al vacío en la arquitectura, elemento vertebrador de toda obra y que pone en valor al contrario por su oposición. De esta manera, el sonido o el lleno es representado por figuras cuadradas, circulares y triangulares. Como no podía ser de otra manera, Patricia Bonet elige las figuras elementales en busca de la belleza platónica “La belleza como resultado de las relaciones que se encuentran en las figuras geométricas simples. Lo que debe entenderse por belleza de las formas no es lo que generalmente se entiende, por ejemplo la de los seres vivos y la de las representaciones, sino que es lo rectilíneo, lo circular y la superficie y los cuerpos compuestos con rectas y el círculo por medio del compás y de la escuadra, ya que estas formas no son, como las otras, hermosas en ciertos aspectos, sino siempre bellas en sí mismas.”(2)
Estos dos universos parecen formar parte de una superestructura cognoscitiva y solo en su diálogo se entiende su belleza atemporal e intelectual, uno perteneciente a un mundo que ordena callado y otro que se mueve en armonía según el anterior.

04.Naturaleza
Decir que el pabellón philips se integra en la naturaleza debido a sus formas orgánicas sería como jugar a ver formas en las nubes. Le Corbusier definió el arte como un sistema capaz de organizar sensaciones; y a la obra de arte como una tarea consistente en poner en orden una creación humana artificial, basada en la observación de la naturaleza, pero diferente de ella y construida en función de unas leyes que provienen de la observación de los fenómenos naturales.
Patricia Bonet parece también haber adoptado una postura comprometida y clara a este respecto. Sus pinturas podríamos decir que se acercan a la naturaleza allá donde el ojo humano no alcanza, es decir, al microespacio o macroespacio, donde todo se reduce a las formas más elementales, donde todo empieza y acaba. Algunos de sus cuadros podrían interpretarse como paisajes o atardeceres, pero dejando de lado estas impresiones subjetivas e incluso superficiales, lo cierto es que sus composiciones conectan de nuevo con esa universalidad sempiterna de la abstracción, donde las cualidades se miden por las cosas aprehendidas que son quizás las que más nos aproximen a la naturaleza del ser humano.

05.Color
Más allá de establecer adjetivos con los que asociar notas musicales y colores, ya dijo Goethe que los colores y los sonidos no se prestaban a comparaciones y expresó su respeto a quien genialmente lo lograse, Xenaquis profundizó en las entrañas de la música para asociarla con otras artes, hasta tal punto, que llegó a diseñar el sistema “UPIC”, una tablilla que transcribía las notaciones gráficas a sonidos. Estos principios colaboraron en la creación del género musical conocido como espectralismo en los años setenta, basado en el descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical apoyados por las técnicas derivadas del análisis y la síntesis asistidas por ordenador.
Si congelamos un instante de la obra metástastasis de Xenakis, y obsevamos su vista espectral, no sabemos si estamos delante de la decodificación de un instante de su obra, frente a los colores en los que se descompone la luz, o contemplando un cuadro de Patricia Bonet, quien ha trabajado muy coherentemente los colores de sus lienzos.
Para Patricia los colores son el como el adn del que no te puedes escapar ni esconder, y por tanto los muestra como son, intensos y rotundos. El rojo es el mismo para cada cuadro de su colección y así pasa con el resto de colores, los cuales son puros, planos y sin sombras, enseñándonos que la realidad que percibimos es sólo una parte de la que nos rodea.